近代美術におけるキュレーションによる妙
「痕跡 戦後美術における身体と思考」（東京国立近代美術館）を見た．ほとんど期待せずに見に行ったのだが，なかなかの好企画．「痕跡としての美術」をテーマに国内外60人による120点が，表面，行為，身体，物質，破壊，転写，時間，思考の８つのセクションに分けて展示されている．展示の最初に断り書きがあるとおり，そのセクションの分類は厳密なものではなく，どのセクションに分類されてもおかしくないもの．それに伴い展示構成も，順路らしきものがあるようだが，こちらもやはり明解には分割されていない．近美の企画展示室はあまり好きではなかったが，やはりテーマに沿ってしっかりとキュレーションされた展示は見応えがある．しかも１点ごとに解説が付されている力の入れようで（カタログにも掲載されている），閉館１時間前から見始めたのだが，もう少し時間が必要なほどの濃い内容であった．もちろん50年代から70年代後半の作品によって構成されているため，いわゆる（コンテンポラリーアートではないという意味で）近代美術（絵画）がほとんどで，インスタレーションのように空間を作品化したものではなく，この天井高の低い展示室でも十分に対応できている．むしろ仮設壁によるルーズな分割は，久しぶりに良質な近代美術館の企画展示室を見たように思う．ホワイトキューブが全盛となる前は，どの美術館もこんな感じだった．
更によかったのは，作品の半数以上が日本の公立美術館より集めていること．海外のコレクションをそのまま持ち込む展示は多いが，これだけ丁寧に作品を集め，あまり実物を見たことのない作品も多く展示されており，その意味でも，これらの時代の美術を知るにはよい企画．
相対的
「MUMI クリテリオム61 嵯峨篤」を見た．確かに展示室の壁を磨き上げた今回の作品には，一種異様な迫力がある．しかし，少し残念なところもあった．
今回は展示室の壁面そのものを磨いた『cube on white』とともに，SCAIでの展示作品が大型化された『MUMI』６点が展示されている．『MUMI』は，MDFにウレタン塗装とアクリルラッカーを磨いたもので，ちょっと何でできているのかわからない美しい作品だ（そして，何が描かれているかもわかりにくい）．つまり，ここでの表面磨きの順番は，一般の展示室壁面を併せて考えると，
MUMI ＞ cube on white ＞ 一般の展示室
となる．しかし，今回のクリテリオムの展示室には，
MUMI ＞ cube on white
の２つの関係しか存在していない．本来であれば，
cube on white ＞ 一般の展示室
という関係が，大変に大きな差の「＞」であることがポイントになる．しかし，その比較対象物である普通の壁が，同時に視角に入ることがなく，しかも近接していないため，この『cube on white』という作品がどのくらい異常であるかがうまく理解できない．もう１度外に出て，廊下の壁面と比較することで，ようやくその異常さに気が付く．それどころか，より完璧な『MUMI』が展示されていることにより，
MUMI ＞ cube on white
の「＞」が大きな差と感じられるため，
cube on white ＞ 一般の展示室
の「＞」がそれほど大きな差ではないように思えてしまう．それが少し残念だった．更に残念なことに，写真ではほとんどその作品が理解できない．本当にバカバカしいほどの労力による，鬼気迫るインスタレーションである．
アートそのものが疑われてる
先を越された感があるが，横浜トリエンナーレ2005のディレクター交代問題．このタイトルは，磯崎新氏が，辞任発表４日前に行われたシンポジウムの席上で発言したものとのこと．このシンポジウムは，web上でもさまざまに取り上げられているが，その後の経過も含めて，やはりここに注目．
しかしここでは，「朝日新聞」12月16日の夕刊の大西若人氏による記事が，シンポジウムの状況を整理してくれていることから，大幅な引用となってしまうが紹介する．
磯崎氏の当初のプランは，《「従来の国別展示でも，キュレーターの指名制でもなく，最もまともに美術展を支えている組織」を前面に出す新システムで，国際展の枠組みを再構築する試み》を目指したもの．これに対し，南条史生氏が《「若い作家を選んで，国際舞台に出す」という国際展の機能が果たされない，と指摘．磯崎氏が「そのキュレーターの思い上がりが困りもの」と切り返すと，南条氏も「アーティストのためにやるのではないのか」と反発する場面も》あったり，北川フラム氏は《「そもそも建物の中でやるのが間違っている．横浜市が市民のためにやるなら，町づくりの実績を表に出す『都市展』しか意味がない」と語った》り，岡部あおみ氏が《「小都市でも国際展が開かれるのは，特徴を持つことでグローバリゼーションへのアンチとなるから」と話したが，磯崎氏は「ローカリズムを主張する国際展が多数あるのが，もうグローバリズムの枠内」と異論を呈した》りしたようだ．結局，《ショック療法的な磯崎案だが，「アートは国境を越えるだけでなく，国という単位に依存しない点で，21世紀に大きな力を持つはず．それには，ただ見せるだけの展覧会ではいけない」との指摘は，傾聴に値する》とのこと．磯崎氏がディレクターを務めることから，大変に期待をしていたのだが，これもまた氏がお得意とするアンビルトになったようだ．
新しい国際展の１つの例として，９月に開催された「光州ビエンナーレ2004」での試みが挙げられる．「artscape」の村田真氏のレビューより．《今回のユニークな試みは「観客参加」だ．これは農民や学生，主婦など一般人や美術以外の専門家，社会活動家らの「観客」を事務局が選び，アーティストとコラボレーションしてもらおうという企画．》この企画自体は大変に興味深い．しかし，《これはうまくいけばアーティストにとっても「観客」にとってもメリットがありそうだが，「お見合い」に失敗したりケンカ分かれする可能性もあり，効果はあまり期待できない．大半の作品は「観客参加」によってどこがどう変わったのか，または変わらなかったのかまったくわからないのだ．》結果はともかく，このような試みは更に続いてほしい．まあ，こんな国際展ですら，財団や観客とのコラボレーションが要請されているということか．
コラボレーションという名のエクスキューズ
「アジアン・フィールド」を見た．アントニー・ゴームリー氏による，旧都立高校の体育館を会場とした巨大なインスタレーション作品．教室で使われていたと思しき椅子と机が並べられていて，それが体育館を別の場所に見せてしまう働きを持ってしまい，少し余計な気がした，素焼きの微妙な色の違いを完璧にコントロールした，アーティストによる配置だけで十分な気がする．入口に展示されている，粘土像とその作者の写真もおもしろい．
受付に置いてあった「毎日新聞」（だったと思う）の本展を紹介する記事に，中原佑介氏の文章が用いられていた．《コラボレーションという考え方には，創造する人間があり，その人間によってつくりだされた作品を鑑賞する人間がいるという二極構造の通念を壊す要素が存在していると私は思います．》「芸術の復権の予兆」『大地の芸術祭 越後妻有アートトリエンナーレ2003』（現代企画室）
もちろん，『アジアン・フィールド』は（中国における）壮大なコラボレーションによる作品である．しかし，一方で，コラボレーションが単なるエクスキューズでしかない作品が増えてきていることもまた事実ではないだろうか？
鉄板
『キョロロ』写真コンテスト参加．
何れも錆びた鉄板に見える手塚貴晴＋手塚由比＋池田昌弘３氏の『「森の学校」キョロロ』と遠藤利克氏の『足下の水（200m3）』．誰が考えたのか，これが並んで設置されている．一方は建築作品で，見えている鉄板は外壁であるとともに構造体である（らしい）．一方は美術作品で，見えている鉄板の下には容積200m3の水がある（らしい）．鉄板が構造体であったり，鉄板の下に水が入っていたりすることがどうやら重要なようだが，見ただけではわからない．もしかすると，構造体になんかなっていなかったり，水なんか入っていないかったりするかもしれない．いや，そうでなければ，構造体であったり水が入っていたりする鉄板が，構造体でもなく水も入っていない鉄板とどのように違うのか？ それが問題．
更なるこの美術館が用意する組み合わせ
「COLORS：ファッションと色彩 VIKTOR＆ROLF＆KCI」「小沢剛：同時に答えろYESとNO！」（森美術館）の２つを見た．相変わらずの森美術館による２つの展示と展望台の抱き合わせ販売だが，今回は更にCOLORSを見ないと小沢が見ることができないシステムに発展．
小沢は期待通りの大個展．趣味に合わない人も多いかもしれないが，１つずつ丹念に見ていくと巧妙な仕掛けが理解できるはず．意外だったのがCOLORS．これがおもしろかった．展示品もともかく，シンプルでありながらもかなり質の高い（お金の掛かった）全体のインスタレーションは見物．これがまた小沢のチープさとあまりにも対照的で笑える．その意味では，今回の２つのセットは観光客たちがどちらか（きっと大人はCOLORS，子どもは小沢）に反応するであろうということでは大成功．一見の価値あり（あまりにも入場料が高いけど）．しかし，さすがに今回は展望台には見向きもせずに帰ってきた．
それから，出口への質（たち）の悪いみやげもの屋のような動線には閉口．あれはどうにかなりませんか，森美術館？
